UN PETIT TOUR VERS L’ITALIE
ANNI DIFFICILI. C’est sous ce titre qu’il faut acheter le film de Luigi Zampa que je viens de découvrir dans une copie restaurée par la Cinémathèque de Milan en VO sous-titrée. Sous le titre français on a le droit à une version de LCV qui mélange des bouts en VO et en Version doublée. C’est une oeuvre passionnante qui traite de la montée, de la prise du pouvoir du fascisme sous un angle original, à travers des sous-fifres souvent suivistes fascinés, un héros hésitant que l’on force à s’engager. Bon nombre de notations sont âpres et percutantes et n’épargnent pas les puissants toujours du côté du manche. Zampa et Brancati montrent bien que la ferveur fasciste se nourrit souvent de principes irresponsables (la mère ou la fille du héros en sont des exemples parfaits) et aussi les profiteurs sournois qui retournent leur veste. J’ai adoré le Baron cauteleux et répugnant qui devient podestat puis retourne sa veste. Il y a des moments percutants : les deux plans du cheval blanc de Mussolini qui n’arrivera jamais à Alexandrie. Décrire cette horreur sur un ton qui parait léger est passionnant mais, comme le dit Tullio Kesich, en fait c’est un film profondément tragique. Là encore, plein de bonus passionnants dont une longue analyse des affrontements que provoqua le film, avec la commission de Censure et avec le parti communiste (Italo Calvino ne put jamais publier sa défense dans l’Unita où il disait que c’était le film anti-suivisme, moralement exemplaire). La bataille avec la Censure fut réglée par Andreotti qui défendit le film et avec le PC par Togliatti qui le jugea juste, ce qui fit changer d’avis les critiques du Parti. Un historien déclare que Zampa dont l’oeuvre est considérable a été brusquement oublié, rayé des mémoires : « C’était le héros des fins de films. Il avait un sens de la synthèse dramatique qui lui permettait de tout recentrer dans les dernières images. »

IL VIGILE (Tamasa), toujours de Luigi Zampa, démarre sur les chapeaux de Roue. Alberto Sordi, toujours avec la complicité de Rodolfo Sonego (que l’on retrouvait dans QUI A TUÉ LE CHAT), brosse de manière foudroyante un épouvantable fainéant, profiteur qui passe son temps à sermonner les autres, à leur expliquer comment travailler et se comporter, provoquant moult problèmes au passage. Dans la deuxième partie, les choses se tassent un peu, le propos semble plus contraint mais certaines séquences restent jubilatoires.

LE CHÂTEAU DES AMANTS MAUDITS (Gaumont collection rouge) sort hélas dans une copie non restaurée qui ne rend que faiblement l’éclat des couleurs, les audaces de certaines juxtapositions de teintes (le bleu et le doré), notamment dans la si belle (dans mon souvenir, la photo était de Gabor Pogany) séquence d’ouverture : cette poursuite par une nuit d’orage d’une jeune fille par deux groupes de cavaliers dans une forêt. Du coup, on fait plus attention aux raccords, à une direction d’acteurs primitive. Le scénario, je l’avais oublié, est co-écrit par Jacques Remy, le père d’Olivier Assayas.

On trouve enfin quelques films d’Antonio Pietrangeli dans un indispensable coffret (éditions seven7) consacré à ce cinéaste mort si jeune à 49 ans en 1968, aussi discret que raffiné. Ses œuvres tournent toujours autour d’héroïnes, de personnages de femmes maltraitées, exploitées, abusées par une société masculine. Pietrangeli ne cesse de dénoncer l’arriération mentale, morale de ses compatriotes, à travers des personnages provinciaux, souvent humbles. Il prend l’histoire de biais, sans aucun a priori idéologique, saisit au vol au moyen de transitions audacieuses avec une caméra qui scrute le paysage, le décor. Il faut absolument commencer par JE LA CONNAISSAIS BIEN où la sublime Stefania Sandrelli incarne une jeune fille de la Toscane qui va s’écorcher le cœur en poursuivant de vagues et illusoires rêves de grandeur à Rome. Elle veut, sans sembler trop y croire, devenir une star et se fait mener en bateau par des margoulins, humilier par des mufles. Elle est naïve, candide, d’un naturel optimiste et bienveillant. Pas farouche avec des hommes pourtant minables, elle refuse de coucher pour de l’argent. Cette chronique douce amère, traversée par des éclairs fulgurants, des juxtapositions de scènes et de plans qui vous prennent à la gorge, devient de plus en plus grave jusqu’à une conclusion d’une rapidité déchirante.

CONFESSION D’UN COMMISSAIRE DE POLICE AU PROCUREUR DE LA RÉPUBLIQUE (M6 Vidéo) est, avec EL CHUNCHO, l’une des grandes réussites de Damiano Damiani malgré l’emploi systématique du zoom. Ces deux films partagent, à travers les péripéties héritées du film de genre, la même approche analytique, dialectique ou chaque geste, chaque prise de position d’un des deux héros est systématiquement remis en perspective et par rapport à l’autre et par rapport au contexte social. Damiani s’intéresse aux facteurs endogènes du changement, c’est à dire ceux qui naissent du fonctionnement même de la société. Comme l’écrit Mailox dans Psychovision : « CONFESSION D’UN COMMISSAIRE DE POLICE AU PROCUREUR DE LA RÉPUBLIQUE reste à mon avis son meilleur. Il convient de préciser qu’on semble tenir là le premier film sans espoir aucun sur l’ascension mafieuse. Impasse et désespoir que l’on retrouvera d’ailleurs dans les deux autres films cités, dotés d’une fin laissant peu de place à l’éradication d’un système bien trop puissant pour être démantelé.
CONFESSION… est- il, à proprement parler, un film anti-mafia ? Eh bien pas vraiment, ou en tout cas pas seulement. Le réduire à cette simple charge ne serait vraiment pas lui rendre hommage […] tandis que Damiani livre ici un film bien plus riche en questionnements et thématiques, tout en surfant brillamment sur divers genres.
Soit, tout cela est très bavard, mais doté d’une tension qui ne se dément jamais. Ce ne sera pas forcément toujours le cas pour ses films suivants.
Difficile, voire impossible de faire appliquer la loi. Tout va dans ce sens au sein de cette excellence, en plus de retranscrire parfaitement la paranoïa d’une époque où l’Italie ne croyait plus en rien.
Les personnages du juge campé par Nero et celui du flic campé par Balsam servent finalement le même propos. Et ce à quoi on assiste, c’est un duel sans fin entre un juge ultra-légaliste, qui croit encore que la justice, telle qu’elle est faite, peut éradiquer la vermine ; tandis que de l’autre, Bonavia a perdu toute illusion depuis bien longtemps. Poursuivant néanmoins un but commun, jamais ils ne parviendront à s’entendre. Ils sont emblématiques de deux visions opposées de la justice. Sauf que l’un est encore dans la théorie, l’autre est depuis longtemps dans la pratique.»

J’avais redécouvert Alessandro Blasetti avec le très réjouissant DOMMAGE QUE TU SOIS UNE CANAILLE. AMOUR ET COMMÉRAGES (dans la même collection chez SND) renforce encore cette impression. Cette comédie incisive trace un portrait décapant du chef de l’opposition dans une mairie conservatrice qui, une fois au pouvoir, va pactiser avec l’industriel qu’il dénonçait à grands coups d’envolées lyriques. Vittorio De Sica est délectable dans ce personnage qui tente de se rassurer avec ses tirades, de dissimuler ses lâchetés sociales et familiales (la manière dont il traite son fils) et Gino Cervi, comédien remarquable, inspiré lui offre un partenaire de choix. Carla Gravina est délicieuse en fille de balayeur qui fait resurgir tous les préjugés de classe de De Sica et met à mal son engagement progressiste. En France ce personnage serait un des chefs de file du PS. Je vais voir dans la foulée LA CHANCE D’ÊTRE FEMME. On trouve dans la même collection MARITI IN CITTA de Comencini et une Germi dont j’ignorais l’existence, MADAME LA PRÉSIDENTE d’après un vaudeville de Hennequin et Weber, auteurs peu alléchants.

QUELQUES FILMS AMÉRICAINS TRÈS RARES

SORTIES 3D

Kino Lorber continue à sortir des DVD en 3D qui avaient totalement disparu du commerce. Chaque galette contient aussi une version 2D et les restaurations sont splendides. Hélas pas de sous-titres. Je ne sais plus si j’avais signalé le très agréable JIVARO d’Edward Ludwig, film d’aventures joliment colorié (les chemises et cheveux de Rhonda Fleming sont un délice) où le relief était très bien utilisé pour augmenter la profondeur de champ, donner du poids au décor (une chambre, un bar) et renforcer un coup de théâtre (la première apparition d’un crane réduit). SANGAREE, toujours de Ludwig était beaucoup plus conventionnel et languissante et THOSE READHEADS FROM SEATTLE, une comédie musicale assez débile se déroulant dans un Klondyke en toiles peintes.

THE MAZE de William Cameron Menzies, immense décorateur (LE VOLEUR DE BAGDAD de Walsh, AUTANT EN EMPORTE LE VENT, LE LIVRE NOIR d’Anthony Mann) bénéficie de critiques louangeuses sur le net. Cela m’a paru pourtant terriblement cornichon, affreusement éclairé, avec un monstre vaguement batracien vraiment ridicule. J’ai enfin pu voir cet ovni qu’est CEASE FIRE (CESSEZ LE FEU) de Owen Crump (pas d’autre long métrage au compteur), sorti au Napoléon, produit par Hal Wallis. Cela raconte une dernière patrouille lors du dernier jour de la guerre de Corée, tourné sur les lieux de l’action (en fait à quelques kilomètres de la ligne de feu apprend-on dans les commentaires) avec de vrais soldats et non des acteurs. Pour des raisons totalement énigmatiques, ce sujet peu spectaculaire, sans vedette avec juste une scène de combat à la fin fut tourné en 3D. On amena donc plusieurs cameras en Corée pour un résultat assez plat, sans jeu de mots. Plusieurs plans très simples dégagent une véritable authenticité et les extérieurs sonnent justes. Ils ressemblent d’ailleurs à ceux de COTE 465 et on se demande si Yordan producteur ne s’est pas inspiré de ce film. Le propos est alourdi par une introduction hyper patriotarde d’un général (on a droit à deux versions) et une musique et une chanson horribles de Dimitri Tiomkin.

FILMS CLASSIQUES
Toujours chez Kino Lober, il faut éviter le désastreux A BULLET FOR JOEY du calamiteux Lewis Allen où on a l’impression que Edward G. Robinson est vraiment heureux quand il sort d’une pièce et termine une scène. Il donne l’impression d’avoir voulu se débarrasser d’un dialogue pourtant signé par Bezzerides et Daniel Mainwaring. J’ai de loin préféré FOXFIRE de Joseph Pevney, un mélodrame racial où la riche et gâtée Jane Russell, une mondaine new-yorkaise, doit apprendre à pactiser avec la culture apache de son mari à demi-indien (Jeff Chandler bien sur). Le Technicolor resplendissant de Charles Lang et un nombre important d’extérieurs enracinent ce mélodrame aux accents sirkiens (durant le générique un plan évoque irrésistiblement l’auteur d’ECRIT SUR LE VENT) et au générique ponctué d’une chanson de Henry Mancini (lyrics de Jeff Chandler qui la chante sans être crédité). On peut aussi trouver chez Kino, FEMALE ON THE BEACH, toujours de Pevney avec toujours Jeff Chandler. Jacques Audiberti, ce me semble, en parla en bien dans les Cahiers du Cinéma.

Chez Warner Archive, il faut se ruer vers THEY WON’T FORGET de Mervyn Le Roy, une des plus cinglantes dénonciations d’une justice biaisée et du lynchage qui s’ensuivit dans une ville du Sud minée par le racisme. Robert Rossen s’inspira pour son brillant scénario d’une histoire vraie. La Censure lui interdit de retenir tout l’arrière plan antisémite et il dut jouer sur le ressentiment anti-nordiste. Malgré ces manques, son scénario analyse de manière cinglante comment se crée une erreur judiciaire. Mervyn Le Roy découvrit durant le tournage Lana Turner dont l’apparition et les scènes sont sensationnelles. Elle a 16 ans, mâche du chewing-gum et rien qu’en marchant allume toute une rue. Mais il sait aussi filmer un lynchage surprenant en quelques plans. Il ne faut pas manquer ce film trop oublié.

MISTER 880 (Fox Archive,  sans sous-titres) est une comédie dramatique écrite par Robert Riskin assez placide et aseptisée malgré une bonne interprétation notamment de Dorothy McGuire et surtout de Edmund Gwenn, délicieux en faussaire qui ne fabrique que des faux billets de 1 dollar, ultra grossier, juste pour subvenir à des besoins urgents. Durant la scène de procès, on retrouve le ton de Riskin, mélange de comédie sociale (c’était un démocrate convaincu), de conte de fée et de mélodrame. Le propos devient sérieux, sombre et assez original. Il faut absolument revoir les grands scénarios de Riskin mis en scène de manière si étincelante par Capra : NEW YORK MIAMI, AMERICAN MADNESS, LADY FOR A DAY, L’EXTRAVAGANT MR DEEDS, PLATINUM BLONDE et lire le beau livre de Victoria Raskin sur son père et sa belle histoire d’amour avec Fay Wray (Panthéon Books New York).

Chez Rimini, CAGLIOSTRO de Ratoff est une adaptation assez extravagante et pas trop fidèle de Dumas (Dumas fils est joué par Raymond Burr !!) avec des passages divertissants mais Welles a-t-il pris en main la mise en scène comme le disent certains (qui citent à tort JOURNEY INTO FEAR), il est permis d’en douter. Alexandre Vialatte écrivit une critique très amusante, s’attardant sur le duel final hautement improbable, frôlant la parodie, sur un toit, avec un des combattants qui se cache les yeux pour ne pas se faire envoûter. Le travail de Ratoff est imperturbable et dénué de tout style.

La version des MISÉRABLES (Rimini) de Lewis Milestone contient de fort beaux plans notamment durant les scènes de tribunal avec l’ombre de la balance de la justice se détachant sur le mur ou un immense Christ surplombant le juge durant les interrogatoires de Champmathieu, l’attaque des barricades en montant cut une série de travellings ou quand Valjean se fait expulser de tous les villages. Milestone fignole de des gros plans très dramatiques, de beaux mouvements d’appareil durant les séquences de galère car le scénariste Richard Murphy prend le mot galérien au pied de la lettre et fait ramer les convicts alors que les galères ont été supprimées depuis près de 52 ans et remplace Toulon par Marseille. Scénaristiquement, cette adaptation est d’ailleurs très faible, inférieure à L’EVADÉ DU BAGNE de Freda et surtout à celle de Raymond Bernard. Les Thénardier passent à la trappe tout comme les 3 évasions de Valjean, Gavroche, Fantine n’est plus prostituée et ne vend plus ses cheveux et ses dents. Elle enfreint juste le couvre feu et se dispute avec un bourgeois. L’’émeute éclate on ne sait pourquoi (plus d’enterrement du général Lamarck ni de mouvement révolutionnaire), les rapports entre Javert et Valjean sont très édulcorés et simplifiés au profit de la romance mollassonne entre Marius et Cosette (Cameron Mitchell et Debra Paget, fort ternes tous les deux). De Milestone mieux vaut revoir LE COMMANDO DE LA MORT (il existe enfin une version restaurée de WALK IN THE SUN), DES SOURIS ET DES HOMMES, voire même OKINAWA dont les qualités plus discrètes rendent le film plus attachant que dans mon souvenir. Milestone fut une des victimes rarement évoquées de la Chasse aux Sorcières.

OLIVER STONE
Il ne faut pas manquer la passionnante série qu’Oliver Stone à consacré à l’Histoire politique de son pays,&sorti dans un coffret avec sous-titres et dans une version papier, uniquement en anglais, passionnante jusque dans ses excès polémiques, des parti pris souvent un peu trop binaires et rapides. Stone n’est pas Marcel Ophüls. Il préfère foncer dans le tas. Le mot « inconnu » (« untold ») n’est pas mis là pour promettre des révélations incroyables mais pour dénoncer la manière dont on enseigne l’Histoire aux USA, de l’école à la télévision commerciale, dont on oublie des pans entiers. Cette mini-série met justement en lumière les souffrances effroyables subies par la Russie durant la Seconde Guerre Mondiale, l’héroïsme de l’Armée Rouge, sujets très sous-estimés, voire occultés en Amérique, tout en pointant les erreurs catastrophiques de Staline, son élimination des principaux généraux, et en dénonçant les crimes commis en Ukraine. Peut être accepte-t-il trop facilement ses explications pour justifier le pacte germano-soviétique. Stone oublie aussi la manière dont le parti communiste a éliminé les anarchistes en Espagne et favorisé l’accession au pouvoir d’Hitler. De Gaulle est quasi absent et le passé meurtrier de Khrouchtchev en Ukraine occulté. On est parfois submergé par l’avalanche de faits souvent passionnants, par le morcellement du montage et la voix un peu monocorde de Stone qui tient à dire que c’est sa vision. S’il loue FDR (tout en notant son refus d’accueillir des juifs), notamment pour sa détermination à imposer Henry Wallace aux caciques du Parti Démocrate, il n’a pas de mots trop durs contre Truman, ignorant, raciste (il écrit à sa fiancée que les nègres sont fait de boue et les Chinois avec ce qui reste), n’écoutant que ses conseillers militaristes, qui décida cyniquement (cela ne servait militairement à rien selon Stone) de larguer les bombes atomiques sur Hiroshima et Nagasaki, pour damer le pion aux Soviétiques qui envahissaient la Mandchourie, donna le feu vert au maccarthysme. Tout cela est juste mais on oublie que Truman fut le premier président à faire du lynchage un crime fédéral (FDR n’avait pas réussi, bloqué par un sénateur sudiste qui devient l’inspirateur de Truman,) et à lancer une action pour les droits civiques. Et contrairement à Staline ou à Mao, il ne créa pas de goulag. Stone, lui, prend parti pour Henry Wallace, le dernier vice-président de Roosevelt, qui selon lui aurait infléchi le cours de l’Histoire mais qui fut d’abord vaincu puis éliminé par Truman. Stone est impitoyable sur la politique extérieure de Nixon, tout en pointant quelques mesures intérieures positives mais se montre encore plus sévère sur Eisenhower, Reagan, Clinton et Obama. Il sauve la dernière partie du mandat de Kennedy et son courage durant la crise des missiles quand il tint tête à tous les chefs militaires, grâce aussi à Khrouchtchev. Pour vous Rouxel, cela vaut mieux que certains nanars chers à votre coeur.

REDFORD
Ces derniers temps, je me suis penché sur l’œuvre de Redford réalisateur. J’ai revu plusieurs de ses films qui tiennent le coup, même si la mise en scène parait parfois (trop?) classique. Elle ne gomme jamais les aspérités du sujet, l’originalité réelle des thèmes, souvent très personnels, et des angles. Le découpage traditionnel n’étouffe jamais le propos et ne l’aseptise pas. Il faut dire que Redford témoigne d’une attention envers ses personnages (et les acteurs qui les incarnent) qui préserve leur mouvement intérieur. Il les regarde avec une impartialité analytique et comme détachée qui surprend et détonne dans le cinéma américain actuel. QUIZZ SHOW, l’une de ses meilleures réussites (hélas uniquement trouvable en zone 1) délivre une morale des plus amères qui bat en brèche, sans ostentation, tous les archétypes dramaturgiques et idéologiques à la Frank Capra et n’offre aucune porte de sortie facile. Relisez la critique de Todd McCarthy et du Guardian.

LA CONSPIRATION dont j’ai déjà parlé ici malgré quelques scènes engoncées aborde un sujet rebattu de manière très originale. Cette enquête sur l’assassinat de Lincoln déboucha sur un procès inique qui renvoie directement à la manière dont le gouvernement Bush piétina les lois et la Constitution soi disant pour combattre le terrorisme. Ce procès d’une femme (Mary Surrat remarquablement incarnée par Robin Wright) fut un scandaleux déni de justice comme le soulignent ses deux avocats, le Sénateur Johnson du Maryland (brillante interprétation de Tom Wilkinson) et Frédéric Aiken, jeune avocat nordiste dont la conduite fut héroïque durant la guerre. Il est d’abord très réticent à défendre une éventuelle complice de l’assassinat de Lincoln mais sera peu à peu touché par sa cliente.

ORDINARY PEOPLE m’a paru meilleur, plus complexe que lors de la première vision et beaucoup moins explicatif. On assiste plutôt à une suite de dénis, de refus d’appréhender la réalité.

Dans AU MILIEU COULE UNE RIVIÈRE, pari hyper audacieux que d’adapter ce très court et génial roman qui mêle la voie du Christ et la pèche à la mouche, Redford semble avoir choisi Brad Pitt pour le rôle de Paul (un choix d’ailleurs excellent) parce qu’ils ont des points communs — sans parler de la ressemblance étonnante de l’acteur avec le cinéaste jeune. Et avec lui, il capture l’essence du livre et en restitue la grâce secrète et l’émotion. Redford, avec la complicité de Philippe Rousselot, réussit à capter toute une gamme de réactions complexes – gestes d’affection réprimés, rivalités, brusques élans retenus, petites déceptions poignantes, sentiments indicibles – qui respectent et traduisent la mystérieuse force émotionnelle du roman. Ce film prolonge ces chroniques provinciales chères à Henry King ou Clarence Brown, leur donne une nouvelle jeunesse, une nouvelle vie.

CINÉMA RUSSE
REQUIEM POUR UN MASSACRE est une œuvre terrible, un coup dans l’estomac. On est broyé devant cette découverte progressive, à travers les yeux d’un enfant, des horreurs commises par les Nazis, la manière dont ils rasent ces villages, anéantissent la population, que Klimov restitue dans des plans très longs, souvent en mouvement, magistraux.

J’ai été un peu moins convaincu par son RASPOUTINE (L’AGONIE) même si l’interprétation d’Alexei Petrenko est inoubliable. Il faut le voir rentrer à quatre pattes dans un ministère, se rouler sur le sol, sauter sur toutes les femmes, prédateur sexuel en folie. On a un peu de mal à comprendre l’ascendant qu’il exerçait sur le tsar, via sans doute son épouse.

L’ASCENSION (Coffret Klimov chez Potemkine, copies restaurées) réalisé par sa femme Larissa Chepitko est tout aussi violent, aussi âpre et rigoureux que REQUIEM dont il constitue une sorte de double inversé et en noir et blanc. L’histoire étant racontée du point de vue de partisans qui se font massacrer et dont certains vont trahir. Pour respirer, mieux vaut se plonger dans AILES belle et sensible réussite de Chepitko, hélas disparue prématurément nous privant d’un regard passionnant.

Je partage pour commencer ce texte de texte de Philippe Meyer sur Didier Bezace, mon ami, mon frère avec qui j’ai partagé, entre autres, l’aventure de L 627 : « On entrait de plain-pied dans son ambition. Il ne l’expliquait pas, il la donnait à voir et à entendre. Il l’illustrait par ses choix si ouverts, d’auteurs, de textes, d’interprètes, de mises en scène, par son besoin de partager ces choix avec le public le plus large, de concevoir sa programmation pour ce public et non pour flatter le conformisme de la critique. Il chantait volontiers, il avait même d’abord pensé que c’était sa vocation, aidé autant que trompé par sa voix au timbre de clarinette basse et se sentant chez lui dans l’univers de Brassens ou de Montero, de Pia Colombo ou de Patachou, de Lluis Llach ou de Pete Seeger.
On entrait de plain-pied dans sa camaraderie. Aller voir les spectacles qu’il programmait au Théâtre de la Commune d’Aubervilliers, en parler avec lui, le suivre dans cette cafétéria où il était disponible à tout le monde, c’était revigorer les enthousiasmes, les rêves et les idéaux que nous avaient insufflés, dont nous avaient persuadés, qu’avaient incarné pour nous Jean Vilar et la troupe du TNP. Ceux qui lui doivent d’avoir fait vivre cette idée du théâtre malgré la pétrification des milieux culturels et le carriérisme qui y règne sont dans un profond chagrin. »

UN PEU DE MUSIQUE

Stéphane Lerouge frappe encore un grand coup avec son anthologie Ennio Morricone qui comprend 18 CD qui rendent hommage à l’imagination inouïe de ce créateur qui change de langage, recherche de nouvelles sonorités avec des audaces esthétiques aussi exigeantes qu’accomplies avec des titres très rares (l’excellent Il Gatto tiré du film de Comencini). 5 CD sont consacrés à Sergio Leone dont un, absolument magnifique, à la musique inoubliable de IL ÉTAIT UNE FOIS EN AMÉRIQUE. Lerouge a regroupé les partitions par metteur en scène (Verneuil, Tarantino, Roland Joffé), par thème : le cinéma engagé (Elio Petri, Sacco et Vanzetti), l’histoire de l’Italie (avec notamment l’intégralité du 1900 de Bertolucci,) le cinéma de genre (Dario Argento, Sergio Sollima, ce qui va faire plaisir à Ballantrae et nous donner envie de revoir LA CITÉ DE LA VIOLENCE, Lucio Fulci), les thrillers mafieux et un dernier disque avec des thèmes célèbres interprétés par des chanteurs, des groupes, des musiciens qui vont de Raymond Lefevre à Kyle Eastwood, Pat Metheny et Charlie Haden, Georges Moustaki., Alexandre Desplat et le Traffic Quintet (Peur sur la ville morceau magnifique qui m’a donné envie de revoir le Verneuil) C’est mieux qu’un plaisir, une addiction. Cela fait déjà quatre heures que je l’écoute.

LECTURES
J’ai été bouleversé par LE DERNIER HIVER DU CID de Jérôme Garcin, cette manière pudique, tendre, quasi amoureuse de rendre compte des derniers moments de Gérard Philipe, de cette mort. Je découvre encore mieux que dans l’ouvrage fort d’Anne Philipe, la tendresse dont on l’a entouré et la dureté de ces derniers instants pour Anne et quelques amis. J’ai redécouvert l’homme et me suis souvenu qu’il avait été le seul à réagir en découvrant dans le Figaro Littéraire que Edmond T. Gréville risquait d’être jeté à la fosse commune, faute d’argent et qu’il nous avait envoyé une lettre et un chèque. Je dois dire que les derniers chapitres m’ont fait pleurer, cette mort si soudaine, ce répit, ces annotations des tragiques grecs où émerge une sensibilité secrète, à vif, mêlée à une drôlerie gamine, farceuse : ce goût pour les jeux de mots vaseux (Que se passe-t-il Valda ?) et j’ai redécouvert la violence et la condescendance avec lesquelles Truffaut l’a parfois traité (Soyons juste, TILL L’ESPIÈGLE le méritait mais pas FANFAN LA TULIPE ni surtout LES GRANDES MANŒUVRES qu’il faut absolument revoir dans le DVD de TF1 avec les deux fins). Ce livre m’a redonné la nostalgie du TNP où j’avais découvert LE CID où il était si jeune, si joyeux (lui et Vilar dépoussiérait les classiques), LE PRINCE DE HAMBOURG et le Musset, ON NE BADINE PAS AVEC L’AMOUR, seule mise en scène théâtrale de René Clair, qui m’avait plu. Et je me suis souvenu qu’avant les pièces, plusieurs fois j’avais vu Gérard Philipe déambulant pendant qu’on dînait et parlant avec certains spectateurs.

LE PIÈGE AMÉRICAIN de Frédéric Pierucci et Matthieu Aron (JC Lattes) : si vous voulez ressentir une vraie rage contre le patron d’un grand groupe, si vous avez besoin encore de sentir à quel point l’impérialisme américain peut être impitoyable, avec une justice totalement inféodée à la défense de ses entreprises et déterminée à détruire tous les concurrents étrangers, ce livre passionnant, tendu vous comblera. On y découvre des faits qui laissent pantois : la conduite des dirigeants d’Alstom envers le héros de l’histoire, le cynisme de Patrick Kron et aussi sa nullité en affaires (il pense être plus malin que la justice américaine et fera semblant de lui répondre pendant trois ans ; du coup il devra tout céder à cause de ce calcul imbécile et arrogant), la médiocrité de la classe politique française totalement atlantiste (Hollande qui préfère capituler devant les USA plutôt que poursuivre une politique d’alliance avec une firme allemande) ou piétinant tous les principes républicains (David Azema le conseiller chargé de défendre les intérêts français qui va se faire embaucher par une firme américaine pour « gagner plus d’argent »), le double jeu de Macron qui se couchera devant les Américains après avoir dénoncé Kron, vendant à la découpe un des fleurons de l’Industrie française. Tous ces personnages et notamment Kron qui avait déjà été condamné à des masses d’amendes pour corruption coûtent beaucoup plus cher à l’Etat que toutes les mesures d’économies, d’austérité imposées par Macron. Pour être juste, il faut ajouter qu’Arnaud Montebourg sauve l’honneur de la classe politique ainsi que quelques parlementaires de droite qui essaieront de s’opposer aux mensonges éhontés de Kron (lequel partira avec une énorme retraite et un bonus record), les socialistes brillant par leur mutisme assourdissant. Cher Rouxel, ce livre est pour vous ainsi que le suivant.

LA GUERRE SOCIALE EN FRANCE de Romaric Godin, journaliste à Médiapart, est une analyse acérée, soigneusement étayée des dérives néo-libérales imposées par Macron avec une volonté sans cesse renouvelée de s’en prendre au Travail tout en préservant, en faisant le jeu du Capital. Il faut absolument détruire toutes les règles et les lois issues de la libération afin de ne jamais brider les entreprises. Romaric Godin montre sur quoi s’appuie cette offensive d’une violence sans précédent (Macron va beaucoup plus loin que les pires débordements néo-libéraux défendus par Chirac, Jospin, Hollande, Sarkozy, débordements systématiquement rejetés par les électeurs et cela dès qu’il fut nommé ministre par Hollande) : les lois sur le travail, le plafonnement des indemnités versées par les prud’hommes. Il y a là de la part de Macron et d’Edouard Philippe volonté de casser tout ce qui peut brider les excès des entreprises, tout ce qui peut les réguler. On supprime des Inspecteurs du Travail, des contrôles alimentaires, les barrières de la Loi Littoral qui tentaient d’endiguer un urbanisme meurtrier. On impose des mesures ni étudiées, ni financées. Un livre qui fait du bien. Et j’ai pensé à Blier dans un IDIOT À PARIS lançant : « Vous oubliez que vous êtes des salariés, c’est à dire les êtres les plus vulnérables du monde capitaliste, des chômeurs en puissance. Le chômage, le chômage et son cortège de misère… Finis la petite auto, les vacances au Crotoy, le tiercé. Y avez-vous pensé ? C’est pour ça, si vous avez des revendications de salaire à me formuler, vous m’adressez une note écrite, je la fous au panier. On est bien d’accord ? ». Prescience de Michel Audiard.

Ce qui me permet d’évoquer quelques-uns des films qui décrivent ces blessés du système, ces opprimés, tous ceux à qui Macron conseille de traverser la rue pour trouver du travail. Lui qui paraît il a été bouleversé par la description de la banlieue dans LES MISÉRABLES, on ne peut que lui conseiller de voir LES NEIGES DU KILIMANDJARO, GLORIA MUNDI et autres films de Guédiguian ou de Philippe Lioret, WELCOME, TOUTES NOS ENVIES (une œuvre qui contient des moments très forts notamment sur les procédures d’endettement et trop survolés), Stéphane Brizé, EN GUERRE, LA LOI DU MARCHÉ, pour sentir ce qu’est la précarité et son traitement par les institutions comme dans LE JOURNAL D’UN MAÎTRE D’ÉCOLE de Vittorio de Seta, plusieurs fois évoqué ici. Et dans des films très émouvants et très réussis comme LES INVISIBLES de Louis-Julien Petit sur les SDF, les gens de la rue où l’on croise des personnages inoubliables et parfois très cocasses. Louis Julien Petit avait déjà réalisé le très attachant DISCOUNT. Oui voilà un programme parfait pour le Président de la République en ajoutant bien sûr les films de Ken Loach comme MOI, DANIEL BLAKE et le tout dernier que j’ai trouvé bouleversant, SORRY WE MISSED YOU.

Je me réjouis du triomphe de PETIT PAYSAN lors de son passage sur la deuxième chaîne et en profite pour rappeler C’EST QUOI LA VIE de François Dupeyron et pendant que j’y suis LES RAISINS DE LA COLÈRE qu’il est sain de revoir au moins une fois par an et en Blu-ray. En le revoyant, j’ai été bouleversé une fois encore et frappé par la force si actuelle de certaines séquences : l’entrée et la descriptions des terribles camps de migrants dirigés par des patrons impitoyables soutenus par des policiers déterminés à s’en prendre aux grévistes, la détresse de ces paysans dont détruit les terres et les maisons. Le plan du Caterpillar anéantissant la maison de John Qualen renvoie à des images de la crise des subprimes. Le film inverse l’ordre des camps (on termine par le plus hospitalier, un de ces camps fédéraux initiés par Roosevelt et que les milices veulent détruire). Dans la version de Ford, le plan final était celui où Fonda gravit la colline mais Zanuck fit ajouter un dernier dialogue plus ouvert (« on ne peut pas nous balayer, nous sommes le peuple ») et Ford demanda à Zanuck de le tourner lui même.

Loïc Gautelier a consacré un vrai livre de fan à Mireille Balin, actrice d’une extraordinaire beauté (elle avait la plus belle descente de dos du cinéma français », disait Jean Delannoy qui lui mitonna une robe au décolleté dans le dos très audacieux dans MACAO L’ENFER DU JEU). Sa beauté, l’éclat de ses yeux éclipsa un vrai talent de comédienne, un jeu juste, retenu qu’on ne jugeait pas à sa vraie valeur comme pour Annabella. On leur préférait des actrices plus voyantes qui marquaient les effets dramatiques et du coup paraissent datées : revoyez Mireille Balin dans le sublime GUEULE D’AMOUR, dans MENACES ou PÉPÉ LE MOKO, DERNIER ATOUT. Elle y est formidable. Loïc Gautelier a admirablement documenté toute sa tragique fin de vie, après qu’elle été tabassée et violée par des FFI (qui auraient été condamnés des années après). Elle fut par la suite disculpée de toute collaboration avec l’ennemi (on peut regretter sa participation aux CADETS DE L’ALCAZAR à la gloire du franquisme) mais elle ne s’en remit jamais et termina en faisant des ménages. Les derniers chapitres, sa vie avec l’association la Roue Tourne de Paul Azaïs, les quelques interventions de Tino Rossi, sont extrêmement émouvantes (Editions Les Passagers du Rêve).

Pour les anglophones, je conseille un très bon livre de Sam Wasson sur CHINATOWN, THE BIG GOODBYE où on apprend plein de choses notamment sur la manière dont Polanski a sauvé, restructuré, élagué le scénario de Robert Towne, sur Edward Thomas qui collabora anonymement à tous les scénarios de Towne, écrivant des scènes, reconstruisant la narration sans que Towne daigne prononcer un éloge quand il mourut. Car CHINATOWN se termina mal pour au moins trois des quatre personnes qui le firent naître : Polanski commit un crime, Robert Evans et Towne devinrent accroc à la cocaïne, Evans qui avait permis au PARRAIN de se faire (dans la douleur) plus quelques autres grands films ambitieux fut viré et remplacé par des ilotes cyniques (la déclaration de Michael Eisner refusant qu’une oeuvre ait un contenu, des ambitions artistiques fait ressembler Harry Cohn à Spinoza). Wasson avait deja écrit un livre sur DIAMANTS SUR CANAPÉ.

Les deux livres de Glenn Frankel sur THE SEARCHERS (j’ai appris que Ford avait improvisé en une après-midi toute la dernière séquence qui ne figurait pas dans le scénario de Frank Nugent) et HIGH NOON (LE TRAIN SIFFLERA TROIS FOIS) sont remarquables et on découvre que le scénario du film est un miroir exact de ce qui se passait à Hollywood, la chasse aux communistes, le mouchardage (le scénariste/producteur Carl Foreman découvre qu’il est dénoncé par Lloyd Bridges, un des acteurs qu’il a engagé), la dictature d’une presse réactionnaire (remplacé de nos jours par les réseaux sociaux). Conduite très digne et courageuse de Fred Zinneman et Gary Cooper (« l’acteur le plus coopératif, le plus dévoué avec qui j’ai travaillé », me disait Zinneman) qui soutient totalement Foreman et crée même une société de production avec lui. Deux livres passionnant qui traitent des rapports raciaux et de la chasse aux sorcières.

SE BATTRE POUR LES DVD

Il existe des films en DVD où le plaisir qu’on prend à une œuvre passionnante, riche, exigeante est décuplé par le soin de la restauration et aussi par la qualité de certains bonus. C’est ce qui, pour moi, donne tant de prix à certaines éditions de films de patrimoine et que vous ne pouvez pas retrouver si vous téléchargez le même film ou le regardez en streaming. D’autant que des sites comme Netflix et autres Amazon ne favorisent guère (c’est même un euphémisme), ce cinéma de patrimoine, qu’ils diffusent à peine, répertorient mal sans cet appareil historique qu’on découvre parfois et qui peut se révéler passionnant. En plus, on fabrique des objets qui sont vraiment magnifiques, avec des livrets très documentés : les coffrets Ozu ou Naruse,  ANATOMY OF A MURDER/AUTOPSIE D’UN MEUTRE chez Carlotta, ELMER GANTRY ( chef d’œuvre exaltant) chez Wild Side, NETWORK. GUN CRAZY, LA NUIT DU CHASSEUR qui sont devenus des « collectors ».

REMARQUABLES BONUS
J’ai revu ainsi avec plaisir LES PATRIOTES de Rochant (où la juxtaposition des deux histoires continue à me paraître un peu aléatoire), ébloui comme la première fois par Sandrine Kiberlain, belle, sensuelle, provocante, brillante, Bernard Lecoq dont le changement de ton vous cueille toujours, Jean-François Stévenin, bouleversant et Yvan Attal. Dans le bonus, Rochant et son producteur Alain Rocca évoquent de manière très vivante l’ambition folle de ce projet , les formidables exigences du réalisateur et, hélas, la manière dont le film qui bénéficiait d’une réputation formidable, explosa en vol à la suite de la projection pour la presse à Cannes. Il fut exécuté le soir même avec une violence inouïe et totalement injuste. Ce qui détruisit les carrières des deux hommes.

Dans UNE FEMME MARIÉE qui reste aussi neuf, aussi tranchant et splendide à voir que dans mon souvenir, Macha Méril parle de Jean-Luc Godard avec une grande liberté de ton. Elle fait preuve d’une franchises admirative mais lucide, sans langue de bois, parlant de son abandon (elle se laissait sculpter et le film est un hymne à son corps) louant son génie visuel, ses intuitions fulgurantes mais pointant sa radinerie, sa part de misogynie. Je n’ai pas encore eu le temps de revoir WEEK END que j’avais adoré.

Dans EAUX PROFONDES, cette histoire d’amour vénéneuse et secrète concoctée par Michel Deville où Isabelle Huppert paraît si enfantine bénéficie d’une passionnante interview de Deville et de Jean Louis Trintignant par Philippe Piazzo.

BUFFET FROID se revoit avec délice et tant la vision du quartier de la Défense que certaines tirade se sont encore bonifiées avec le temps :

L’assassin paranoïaque : « Beaucoup de meurtres en ce moment ? »
L’inspecteur Morvandiau : « Ça marche pas mal. »
L’assassin paranoïaque : « Et vous arrêtez les coupables ? »
L’inspecteur Morvandiau : « Le moins possible ! … Un coupable est beaucoup moins dangereux en liberté qu’en prison. »
Alphonse : « Pourquoi ? »
L’inspecteur Morvandiau : « Parce qu’en prison, il contamine les innocents. »

Là encore le bonus avec un délectable entretien avec Bertrand Blier est des plus savoureux.

Son intervention après HITLER CONNAIS PAS, œuvre rare, sortie par Jean-Baptiste Thoret est absolument passionnante. Vous ne trouvez rien d’équivalent sur Amazon ou Netflix.

Pour LE VOYAGEUR DE LA TOUSSAINT (Gaumont) de Louis Daquin, cette fort bonne adaptation de Simenon, écrite par Marcel Aymé, où triomphent Gabrielle Dorziat, Jules Berry, Guillaume de Sax (pour moi une révélation) et Jean Desailly (un habitué de Simenon) qui prend de plus en plus de consistance au fur et à mesure du récit, les suppléments sont plus classiques mais fort utiles. Ils permettent de re situer les origines italiennes des capitaux, ce qui explique la présence imposée de l’actrice Assia Norris. (L’un des points faibles du film), cernent les combats que dut mener Daquin et nous révèlent la présence furtive de Simone Signoret.

LA BATAILLE DE L’EAU LOURDE témoigne d’une vraie sobriété qui faisait tout le prix d’HORIZONS SANS FINS et de LA FERME DU PENDU. Pas de grandiloquence ni d’élans lyrique mais une relation précise et minutieuse avec beaucoup d’extérieurs (filmé par Titus Muller ?). Jean Dréville invente un sous-genre, le docu drame mais je suis resté un peu distant face à ces dizaines de plans à skis tout en portant au crédit du film l’absence d’emphase et de sur-dramatisation qui anéantissait la médiocre version d’Anthony Mann. Dréville n’avait pas la tête épique, cela se sent tout au long du catastrophique LA FAYETTE. Frédéric Joliot-Curie joue son propre rôle sans vraiment convaincre.

Il faut aussi citer le travail accompli par TF1 et Coin de Mire notamment pour la qualité de leurs restaurations. J’ai pu découvrir LES BONNES CAUSES, un des meilleurs Christian-Jaque de la dernière période, bien écrit par Henri Jeanson. Brasseur et Marina Vlady sont mieux que convaincants et Bourvil est impeccable en juge d’instruction plus finaud, plus moral qu’il en a l’air (selon mon ami Alain Riou, le personnages est plus intéressant que celui du roman de Jean Laborde). Mais brusquement on tombe sur une scène qui met à mal l’édifice, une scène qui paraît artificielle, peu vraisemblable durant laquelle le magistrat présente un témoin surprise à la partie adverse qui va le terroriser, ce qui rend les défenseurs de Virna Lisi ineptes. Dans la même collection, L’AFFAIRE DOMINICI de Claude Bernard Aubert (pourra-t-on revoir PATROUILLE DE CHOC ?), un des grands rôles de Gabin, opaque, mutique, impressionnant. LA GROSSE CAISSE d’Alex Joffé que je n’ai jamais vu pas plus que LE BARON DE L’ÉCLUSE. Et bien sur ces deux chefs d’œuvre que sont NON COUPABLE, passé inaperçu, et GUEULE D’AMOUR. Je serai plus réservé sur les bonus qui privilégient les actualités.

Je veux ajouter la sortie de OLIVIA de Jacqueline Audry, autre film sous-estimé (zappé par les critiques de la Nouvelle Vague qui n’étaient ps du tout féministes) alors qu’il s’agit d’une des oeuvres les plus audacieuses sur l’homosexualité féminine traitée sans voyeurisme. On y entend Edwidge Feuillère, directrice d’un pensionnat, lire le lac de Lamartine et on peut y admirer Yvonne de Bray, actrice fétiche de Cocteau. Audry et Laroche adaptent un faux roman écrit par l’auteure anglaise qui traduisit Proust.

Il ne faut surtout pas oublier QUAND PASSENT LES CIGOGNES (en Blu-ray chez Potemkine) qui m’a encore bouleversé. Quand je pense qu’il fut de bon ton de faire la fine bouche devant cette histoire d’amour fiévreuse, passionnée, lyrique, qui vous emporte. Bonus remarquables, passionnants avec Françoise Navailh et Eugénie Zyvokine qui analysent aussi bien les procédés de la mise en scène (la manière dont le mouvements de grue soulignent les ratages, les manques, contrairement à ce qui est leur fonction première) que le contexte politique, historique.

COFFRET PABST
Merci à Tamasa d’avoir sorti un monumental coffret dédié à Pabst avec des belles copies restaurées où d’immenses et incontournables classiques comme LOULOU, L’AMOUR DE JEANNE NEY côtoient des œuvres plus rares : LA TRAGÉDIE DE LA MINE et surtout C’EST ARRIVÉ LE 20 JUILLET introuvable depuis des dizaines d’années. J’ai pu ainsi revoir QUATRE DE L’INFANTERIE le pendant allemand d’A L’OUEST RIEN DE NOUVEAU. Toutes les médiathèques doivent l’acheter.

FILMS PARLANT D’ÉPIDÉMIE
J’ai omis des dizaines de nanars.

CONTAGION de Steven Soderbergh, l’un des rares film américains totalement centré sur la notion de travail (repérer le virus, le combattre, lutter contre les fake news, la panique), sans intrigues sentimentales ou secondaires.

Le 7ème SCEAU de Bergman avec le grand Max Von Sydow

NOSFERATU version de Murnau et de Werner Herzog

LE MASQUE DE LA MORT ROUGE de Roger Corman (Sidonis) sur les vains efforts du Prince Prospero pour se confiner

PARS VITE ET REVIENS TARD de Régis Warnier. Fred Vargas est d’ailleurs une experte incollable sur les épidémies et la manière dont on identifié comment la peste se propageait.

LE MYSTÈRE ANDROMÈDE

LA NUIT DES MORTS VIVANTS

L’ÎLE DES MORTS de Mark Robson

L’ARMÉE DES DOUZE SINGES et peut être LA JETÉE de Chris Marker

LE HUSSARD SUR LE TOIT de Jean Paul Rappeneau d’après le formidable roman de Jean Giono

JE N’AI PAS TUÉ LINCOLN de John Ford

ARROWSMITH de John Ford

STARS IN MY CROWN de Jacques Tourneur qui contient une belle scène d’épidémie de même que I’D CLIMB THE HIGHEST MOUNTAIN de Henry King

JE SUIS UNE LÉGENDE

WESTERNS

HONDO, L’HOMME DU DÉSERT vient enfin de (re)sortir en France avec un bonus très intéressant sur les Apaches et une présentation de Leonard Maltin. J’avais découvert ce western à sa sortie au Napoléon (mais pas dans la version en relief qui ne fut pas exploitée en France) puis revu toujours en VO à l’Artistic Douai et plusieurs fois en VF. On ne le dit jamais mais ce film fut critiqué de manière très positive par André Bazin dans Radio Cinéma, l’ancêtre de Télérama. J’ai réussi une fois à voir une vidéo américaine avec la version 3D et des lunettes (je le montrai à Jean-Claude Brisseau, admirateur du film). Farrow concentre les effets 3D durant la spectaculaire bagarre entre Wayne et Rodolfo Acosta et utilise le relief pour faire ressortir les entassements de rochers rouges, les ravins, pour dramatiser le paysage et donne une grande proximité aux séquences intimes particulièrement réussies, bien écrites par James Edward Grant. Elles sont denses, retenues, complexes même si on sait ce qui va se passer (ce qui fait partie du plaisir). Il faut dire que le choix de Geraldine Page est une remarquable idée. Elle débarrasse le personnage de toute mièvrerie, lui donne une force, une crédibilité, une profondeur assez rare et se révèle l’égale de Hondo. Ce choix est à porter aussi au crédit de Wayne, producteur du film (il adorait jouer avec des partenaires fortes et avait demandé Danielle Darrieux pour le BAGARREUR DU KENTUCKY) qui revendiquait également le traitement nuancé des Indiens : Hondo leur donne raison (ce sont les Blancs qui ont dénoncé le traité et ont menti) et parle avec émotion de sa femme indienne. Il les combat certes, pour défendre sa peau. Et Vittorio très bien incarné par Michael Pate est évoqué avec chaleur, sympathie mais sans fausse idéalisation. En fait Hondo constitue un trait d’union capital entre l’humanisme de Daves et LA FLÈCHE BRISÉE et le réalisme désenchanté d’Aldrich et de FUREUR APACHE qui vient de sortir en Blu-ray avec la version du réalisateur et celle de Lancaster. Voilà qui promet des comparaisons passionnantes. De Farrow, cinéaste passionnant, ne pas oublier LA GRANDE HORLOGE, le surprenant et visuellement très brillant UN PACTE AVEC LE DIABLE (Anthologie du Film Noir chez Sidonis) où Ray Milland incarne un Diable sophistiqué, qui sifflote dans le brouillard et qu’on ne voit jamais entrer dans une pièce. Deux remarquables scénarios de Jonathan Latimer sans oublier VAQUERO. Mais CALIFORNIE TERRE PROMISE est une déception que ne rachètent pas certains plans très longs – une obsession de Farrow –  qui là ne rajoutent rien. Cette chronique est écrasée par le luxe de certains costumes (le premier que porte Stanwyck tue toute crédibilité), par un scénario mal centré, ponctué de curieux intermèdes musicaux avec choeurs et cloches. Les rapports entre Ray Milland et Stanwyck recensent tous les clichés du genre. On peut sauver le personnage que joue George Coulouris : un trafiquant d’esclave toujours hanté par le bruit des chaines.

LA CAPTIVE AUX YEUX CLAIRS est sortie chez TCM dans la version habituelle, un peu mieux restaurée. Rappelons que le DVD des Editions Montparnasse comprenait aussi la version longue, en fait une série de séquences plus développées, se perdant encore plus dans les méandres du récit qui faisaient tout le charme, le prix de cette œuvre exceptionnelle (hélas, cette version était restituée dans une copie souvent horrible) ainsi qu’une remarquable analyse de Todd McCarthy, le brillant auteur du HAWKS paru à l’Institut Lumière Actes Sud. On peut remarquer que Hawks est un des rares cinéastes qui énonce dans la voix off le thème qui inspire tant de ses films : « deux hommes étaient amis, survient une femme et ils ne le sont plus », facilitant ainsi les commentaires et exégèses. Mais le résultat est heureusement plus complexe que ce simple énoncé.

LE CAVALIER TRAQUÉ (Warner) dans les Randolph Scott dirigé par André de Toth est un des meilleurs titres. Surtout après la quinzième minute (encore que le début soit mieux filmé que dans mon souvenir), quand Scott parvenu dans une petite ville se heurte à l’incrédulité des habitants qui le prennent pour un complice des bandits qui ont attaqué la diligence alors qu’il venait les mettre en garde. Ce qui nous vaut une collection de crétins butés, soupçonneux, qui n’écoutent rien, des obsédés de la peine capitale : un personnage quasi-muet passe les deux tiers de l’histoire à se trimbaler avec un nœud coulant. De Toth multiplie les cadrages de film noir : contre-plongées ou encore plus nombreuses, plongées avec amorce, surgissement de personnages en gros plan. Il utilise très souvent en bordure de cadre les poteaux, les embrasures et utilise admirablement l’espace. Il rajouta le personnage du tenancier de « cantina » minable joué par Fritz Feld qui passe de l’espagnol baragouiné, à l’allemand voire au hongrois (« Mais quelle langue est-ce que je parle ? » dit il), tout en cherchant à protéger son miroir. Chester Morris est excellent en shérif débonnaire mais astucieux qui refuse tout lynchage. Quand un excité de la gâchette se vante devant lui, il lui tend son arme en disant « vas-y » dans un plan merveilleusement soldé. De Toth considérait Randolph Scott qu’il avait surnommé dans ses mémoires (éditions Actes Sud) « Machoire de granit », comme un vrai gentleman, un acteur limité mais courtois. Il produisait deux films par an tout en jouant à la bourse, sa vraie passion. Il était attaché à une formule assez routinière mais ni lui ni son associé, le producteur Harry Joe Brown, compétent et économe, n’avait la moindre sensibilité scénaristique. Pourvu que le film respecte un certain nombre de règles budgétaires mais aussi morales, il, laissait une vraie liberté aux réalisateurs pour la distribution (acceptant des partenaires qui pouvaient lui voler des scènes), le choix des extérieurs, le ton qu’allait donner la réalisation. De Toth disait de lui qu’il était imbattable dans un duel où il pouvait utiliser le Wall Street Journal. On pouvait s’en sortir mais il fallait lutter contre la paresse et la routine. Et Boetticher bénéficiera des combats menés par De Toth.

On trouvait THUNDER OVER THE PLAINS (LA TRAHISON DU CAPITAINE PORTER) en zone 1 dans un DVD Warner regroupant dans de belles copies sans sous-titres trois Randolph Scott les deux autres étant LE CAVALIER TRAQUÉ cité plus haut et le médiocre THE MAN BEHIND THE GUN (LA TAVERNE DES RÉVOLTÉS) de Felix Feist. Quand on voit la paresse des cadres, des angles, la banalité des décors et des extérieurs dans le Feist, on apprécie d’autant plus le travail de De Toth dans THUNDER OVER THE PLAINS. Même quand il se heurte à des situations conventionnelles, il tente de les animer en utilisant des ravins, des déclivités, des terrains en pente qui lui permettent de faire surgir des cavaliers en fond de plan en partant d’une action près de la caméra. Et ces décors, chaque fois doivent compliquer les prises mais on sent qu’il y prend plaisir. Cela dynamise les surgissement de personnages, dramatise leurs rapports dans l’espace, d’autant qu’il joue sur les buissons, les troncs, les rapports entre les zones d’ombre et de lumière d’arbres pour aiguiser l’action, secondé par le grand chef opérateur Bert Glennon qui éclaira déjà le CAVALIER TRAQUÉ et ce policier mémorable CRIME WAVE (le film favori de Glennon me disait son fils) : un derringer en fond de plan tire sur une main qui tient un revolver en amorce. Le sujet est assez intéressant même si les rapports sentimentaux auraient pu être conventionnels. L’officier que joue Lex Barker (Tarzan à la RKO) voulant séduire la femme de Scott. De Toth traite cela avec sécheresse et cela renforce le mépris que Porter éprouve pour Barker pas trop mal distribué dans un personnage fayot, rigide et faux derche qu’il dissimule derrière son côté beau gosse. On peut aussi admirer Elisha Cook, grand copain de De Toth (il lui apprit la pêche à la mouche) et Charles McGraw en une sorte de Robin des Bois. Et j’avoue éprouver un vrai faible pour Phyllis Kirk, actrice que De Toth aimait beaucoup, la jugeant fine, intelligente et très sensible (il la dirigea dans THUNDER, dans CRIME WAVE/ CHASSE AU GANG (zone 1) où elle est magnifique, L’HOMME AU MASQUE DE CIRE). Souffrant de poliomyélite, elle dut presque interrompre sa carrière et devint attachée de presse. Démocrate militante, elle s’engagea contre la peine de mort, alla plusieurs fois visiter Cary Chessman, le célèbre condamné à mort dont le combat défraya la chronique et cet engagement freina sa carrière. Elle finança aussi après les émeutes de Watts des installation pré scolaires. Vive Phyllis Kirk !

Sidonis a récemment sorti l’admirable VALLÉE DE LA PEUR de Raoul Walsh, FEMME OU DÉMON de George Marshall, œuvre décontractée, nonchalante et farceuse plutôt qu’une vraie comédie qui évite les pièges de la parodie grâce à James Stewart et Marlene Dietrich (le film relança sa carrière) dont l’interaction est superbe et aux goûts de Marshall pour la bonne humeur joviale. Glenn Ford qui le découvrit durant le très plaisant TEXAS (zone 1) avait beaucoup de respect pour lui et le choisit pour LA VALLÉE DE LA POUDRE, racontant que Marshall demandait que les acteurs exécutent la plupart de leurs cascades eux-mêmes.

LES CHEVALIERS DU TEXAS (Sidonis) est un scénario traditionnel et conventionnel de James Webb avec des personnages sous-écrits. Quand on le découvrait, on ne retenait que l’histoire des éperons qui reste juste à l’état d’idée. Détail amusant, Alexis Smith s’appelle Rouge de L’Isle et on se demande qui on doit créditer de cette trouvaille savoureuse. Ray Enright donne un petit peu de dynamisme avec ses entrées de champ en contre-plongée et quelques cadrages dynamiques mais son travail reste fonctionnel. Les couleurs et la photo donnent du brillant à cette routine. Mieux vaut voir pour juger du talent d’Enright, BLONDIE JOHNSON (Warner, sous-titres français), un de ces épatants films pré-Code où le studio, le chef opérateur Tony Gaudio, les scénaristes jouent un rôle important. Mais la mise en scène est vive (les quatre premières scènes témoignent d’un réalisme cynique imparable) et sert bien un propos assez décapant où triomphe Joan Blondell, l’une des actrices phares de cette époque. Son personnage finit par contrôler un gang sans séduire ou tomber les truands, juste par son intelligence, ce qui est tout à fait original, voire contraire aux codes du genre. Dans la même collection aux jaquettes noires (qui hélas semble arrêtée), il ne faut pas manquer les remarquables FASCINATION et ÂME LIBRE de Clarence Brown (l’ouverture de FASCINATION reste l’une des plus fortes du genre de même que le plan de grue final), BABY FACE, mélodrame féministe tranchant et audacieux où Stanwyck est inoubliable, L’ANGE BLANC de Wellman, vanté ici à plusieurs reprises en même temps que HÉROS A VENDRE.

Il faut revoir le très agréable (et en fin de compte bien mis en scène), QUATRE TUEURS ET UNE FILLE pour les scènes d’action bien chorégraphiées et filmées, comme le pointe Erik Maurel sur  DvdClassik et surtout pour tout ce qui concerne l’éveil amoureux de la jeune héroïne que joue la ravissante Coleen Miller. Qui a rarement été aussi bien mise en valeur. Il est difficile d’oublier le moment où elle va retrouver Rory Calhoun dans une chemise de nuit fort légère. Il y a là un érotisme léger, une sensualité rare dans le genre.

L’ÉNIGME DU LAC NOIR, film pour moi totalement inconnu s’est révélé une excellente surprise. On peut y voir, comme Erik Maurel sur DvdClassik, une ébauche réussie de DAY OF THE OUTLAW : une bourgade enneigée où ne sont restées que des femmes, est envahie par une petite bande de bagnards évadés. Le ton dépouillé, la mise en scène sobre, ramassée, évitent un grand nombre de clichés, imposent une tension notamment lors d’une scène avec Ann Dvorak, seule dans une grange, et transcendent les extérieurs reconstitués en studio. Le scénario d’Oscar Saul (revu dit-on par Ben Hecht) contient même quelques vraies surprises (un personnage original de psychopathe) et les séquences finales tournent autour du thème de la délation. Or quand Gordon le tourne, il sait qu’il est mis sur la liste noire et que la protection de Zanuck pour qui il tournera ses deux derniers films (ce western et I CAN GET IT FOR YOU WHOLESALE écrit par Abraham Polonsky) touche à sa fin. Ce qu’il devait éprouver se ressent dans ce western et donner une forme d’urgence au propos. Glenn Ford, excellent, joue toutes les premières scènes en retrait de manière fort intelligente et Gene Tierney, fort belle, est vraiment crédible.

I CAN GET IT FOR YOU WHOLESALE (zone 1, pas de sous-titres) mérite d’être découvert ne serait-ce que pour la description de l’univers du prêt-à-porter dans les années 50 et pour l’interprétation remarquable de Susan Hayward dont le personnage possède la force, la volonté, le cynisme, l’ambition que l’on donnait à des acteurs comme Cagney ou Gable. L’ESCADRON NOIR m’a semblé meilleur que dans mon souvenir et toute la partie « traditionnelle » (poursuites, meetings politiques, attaque de diligence) est filmée par Walsh avec son dynamisme habituel. La course de la diligence vers un à pic sera maintes fois imitée. Le traitement de Quantrell (bien joué par Walter Pidgeon) est plus problématique. Le scénario qui trahit sans vergogne un beau roman de WR Burnett que j’espère faire traduire et publier, fait de ce criminel certes un forban sans vergogne, un pillard mais édulcore ses actions criminelles et surtout fait avorter son action la plus célèbre, le massacre de Lawrence où il assassina 162 civils. Le personnage stoppe le raid (imaginons un film où quelqu’un viendrait s’opposer au massacre d’Oradour). Tout le contexte politique du livre (la lutte entre les abolitionnistes et les esclavagistes, les reniements de Quantrell qui est dans le camp abolitionniste au début) est évacué du film. Normal on est à la Republic, studio ultra conformiste et familial. Cela dit Wayne est excellent et il a un charme fou même si sa romance avec Claire Trevor est moins complexe que chez Burnett. Roy Rogers sorti de ses westerns chantants, se révèle un acteur plus qu’acceptable. On peut préférer néanmoins LES AVENTURES DU CAPITAINE WYATT que je découvris à sa sortie au Triomphe et qui m’a toujours enthousiasmé par son allant, son dynamisme, la pulsion de la mise en scène (on a l’impression que la caméra pousse les personnages). Certes, ce remake d’AVENTURES EN BIRMANIE ne possède pas les enjeux, la force intérieure de l’original (les Séminoles sont un danger moins grand que les Japonais) mais le travail de Walsh est souvent exemplaire malgré quelques raccords en studio rajoutés par le producteur Milton Sperling (des plans de crocodiles qui ne raccordent pas avec les bayous). Belle musique de Max Steiner et l’intrigue sentimentale bien écrite par Niven Busch nous vaut deux scènes touchantes qui retournent brusquement le propos du film : Wyatt raconte comment sa femme indienne fut assassinée par des soldats.

Et puisque je cite le scénariste Niven Busch, bonne occasion pour rappeler la sortie chez Actes sud de son magnifique roman, inédit en France, LES FURIES.

LE FLEUVE DE LA DERNIÈRE CHANCE de Jerry Hopper (dont sort l’agréable UNE AVENTURE DE BUFFALO BILL, western historique complètement faux mais fort amusant), n’est pas trop mal écrit avec des extérieurs dans le Colorado amples, spectaculaires. Le premier tiers est d’ailleurs plutôt efficace avec une bonne interprétation de William Tallman. Malheureusement, dès la descente de la rivière, d’horribles transparences figent la mise en scène et le propos.
Je rappelle aussi des titres peu commentés et rarement cités qui sont pourtant remarquables comme FORT MASSACRE de Joseph Newman écrit par le scénariste de DÉTOUR, Martin Goldsmith, DUEL DANS LA SIERRA de George Sherman.

FILMS ANGLAIS

Sortie chez Doriane de THE BROWNING VERSION d’Anthony Asquith d’après Terence Rattigan (la pièce fut montée par Didier Bezace) dont j’ai dit plusieurs fois ici tout le bien qu’il fallait en penser. Interprétation inoubliable de Michael Redgrave. On doit aussi à Terence Rattigan les scénarios du MUR DU SON, l’un des David Lean les plus secrets et les plus touchants et du ROCHER DE BRIGHTON de Roy Bouting.

Au Festival Lumiere j’ai revu avec un immense plaisir LE PONT DE LA RIVIÈRE KWAÏ, un des chefs d’œuvres de Lean et la copie restaurée mentionne bien les noms de Carl Foreman et Michael Wilson comme scénaristes (ils étaient sur la liste noire et l’Oscar fut décerné à Pierre Boulle qui ne parlait pas anglais, ce qui provoqua une polémique). Mais selon Brownlow Lean participa énormément au scénario. Ce film est une des études les plus percutantes, les plus justes, les moins dogmatique de la Collaboration et je ne regrette qu’une seule réplique : le « Mais qu’est ce que j’ai fait ? » du colonel Nicholson dans la dernière séquence.

Tamasa vient de sortir toute une série de films passionnants : POOL OF LONDON (LES TRAFIQUANTS DE DUNBAR) de Basil Dearden, loué plusieurs fois ici même. En dehors de la spectaculaire poursuite finale, on peut découvrir une des premières intrigues amoureuses interraciales du cinéma anglais, audace incroyable pour l’époque. Elle est forte et pudique. Dearden reviendra sur ce sujet dans SAPHIRE.

THE BLUE LAMP toujours de Basil Dearden a davantage vieilli jusque dans ses ambitions néo-réalistes. Le scénario est co-écrit par Alexander Mackendrick et on remarque Dirk Bogarde.
Toujours chez Tamasa, L’HOMME DE BERLIN qui a ses défenseurs. Je l’avais revu il y a quelques années et n’avais pas été convaincu, le scénario de Harry Kurnitz me paraissant nettement moins original et incisif que celui de Graham Greene pour le TROISIEME HOMME.
Et enfin un policier qui devient culte, PAYROLL de Sidney Hayers avec Françoise Prévost.

FILMS MUETS

L’ARGENT de Marcel L’Herbier (Lobster), pour moi son chef d’œuvre le plus brillant, le plus inspiré, quasiment dépourvu des afféteries qui pèsent sur une partie de son œuvre : les séquences à la Bourse avec les travellings vertigineux qui surplombent les personnages, volent au dessus d’eux n’ont rien à envier au LOUP DE WALL STREET. Il ne faut pas manquer le remarquable AUTOUR DE L’ARGENT de Jean Dréville, sans doute le premier making of de l’Histoire du cinéma et l’un des plus réussis. Je ne me souviens plus qui avait écrit que Lherbier présentait un étrange air de ressemblance avec Jean-Luc Godard.

LARMES DE CLOWN (HE WHO GETS SLAPPED) chez Bach films, copie correcte. Deuxième film américain de Victor Sjöström rebaptisé Seastrom, après NAME THE MAN pour Samuel Goldwyn, HE WHO GETS SLAPPED est une œuvre noire, très européenne, qui traite de l’humiliation, de l’avilissement, de la bassesse humaine, sujets rarement abordés dans le cinéma américain. Il faut dire que Sjöström et son co-scénariste Carey Wilson adaptent en toute liberté un auteur réputé pour son pessimisme, Leonid Andreïev, écrivain et dramaturge russe, anti-tsariste et anti-bolchevique dont Gorki disait qu’il était « d’une effrayante perspicacité ». Un savant, Paul Baumont, se fait dépouiller de ses recherches et voler sa femme par le baron Regnard, un soi disant mécène qui l’humilie devant ses confrères de l’Académie des Sciences. Il va se réfugier dans un cirque en devenant clown, invente un numéro où, sans cesse giflé, il est à nouveau humilié mais remporte un triomphe. Il va retomber amoureux d’une belle écuyère (Norma Shearer, juste et gracieuse) et ce sera une nouvelle désillusion. Sjöström domine son sujet avec une incroyable maestria, passant avec une rare fluidité de l’allégorie tragique avec ce clown faisant tourner un ballon qui devient le globe terrestre – lancinant leitmotiv – cette piste aux étoiles symbolisant le monde dans ce qu’il a de plus aveugle, de pire, à des séquences réalistes qu’il traite avec une concision fulgurante : trois plans suffisent pour évoquer l’abjecte muflerie avec laquelle le baron renvoie sa femme, une fermeture à l’iris sur un collier signifie que le père de l’écuyère a vendu sa fille. Le ton du film, décapant, impitoyable, mais empreint de compassion, évoque l’univers d’Ibsen, de Strindberg et on comprend l’admiration que Bergman éprouvait pour Sjöström qu’il fit jouer dans LES FRAISES SAUVAGES et sans doute pour ce film auquel il rend hommage dans LA NUIT DES FORAINS. Interprétation géniale de Lon Chaney. Son plus grand rôle avec L’INCONNU de Todd Browning.

Les muets de Clarence Brown sont introuvables sauf THE EAGLE dans une copie des plus médiocres chez Bach Film et le très beau visuellement THE FLESH AND THE DEVIL dans un coffret Garbo sorti par TCM, un de ses meilleurs films avec WOMAN OF AFFAIRS. Célèbre pour ses scènes d’amour passionnées et le duel célèbre avec ce gigantesque travelling arrière qui fait sortir du champ les deux adversaires qui se détachent sur la ligne d’horizon et les relègue en hors champs lors des coups de feu.

On trouve en zone 1 THE TRAIL OF 98 (Warner archive), évocation épique de la ruée de 1898 vers le Klondike pour y trouver de l’or qui inspira aussi Chaplin. Les scénaristes Benjamin Glazier et Waldemar Young choisissent au début une structure chorale, avec de multiples personnages, figures emblématiques du genre – jeunes gens sans expérience, un chauffeur de locomotive, couple de commerçants, un jeune garçon, aventuriers divers, escrocs – qui, peu à peu, s’épure, se resserre autour de quelques destins. Ces personnages sont souvent ballottés, voire noyés, dans la foule, ce qui nous vaut de nombreuses scènes avec des multitudes de figurants étonnantes de réalisme (elles sont truffées de détails pittoresques) et spectaculaires : embarquements sur des bateaux archi combles, camps de chercheur d’or, villes champignon en proie à l’agitation, à la folie, ascension de la terrible Chilkoot Pass. Les intérieurs sont tout aussi soignés du saloon remplis d’ivrognes, de joueurs aux décors misérables de cahutes, de cabanes où le héros abandonne sa fiancée, idée dramatique assez forte que son revirement ne parvient pas à combler. Voilà une des œuvres – il n’y en a pas tant que cela – qui renvoie à l’univers de Jack London.

LE DERNIER DES MOHICANS est une belle et puissante adaptation du roman de Fenimore Cooper parue en 1826, dont la traduction vient enfin d’être revue en 2017, rétablissant aussi certains passages coupés ou censurés (éditions Gallmeister) et qui avait été immédiatement salué par George Sand comme le note François Guerif : « … par la voix tranquille mais retentissante du romancier, l’Amérique a laissé échapper ce cri de la conscience : Pour être ce que nous sommes, il nous a fallu tuer une grande race et ravager une grande nature… Ce que chante et pleure Cooper, c’est une noble race exterminée, c’est une nature sublime dévastée, c’est l’homme. » Un ou deux plans de paysage, amples, majestueux remplacent de longues descriptions d’autant que pour la première fois, Tourneur et Brown utilisaient la pellicule panchromatique permettant enfin de photographier les ciels et les nuages. Les plans très larges et très impressionnants tournés par Brown à Yosemite Park ont rarement été égalés et le combat entre Cora et Magua, sur un éperon rocheux, garde une puissance intacte, filmé au dessus du vide, On sait que ces séquences d’extérieurs furent tournée par Clarence Brown, Tourneur s’étant cassé la jambe après quelques jours de tournage au lac de Big Bear. Christine Leteux lui attribue environ 50% du film.

FILMS DE MARY PICKFORD

Dans les films de Mary Pickford sortis dans des copies correctes par Bach Films, il faut regarder THE LITTLE AMERICAN de Cecil B. DeMille, un film dont le tournage débuta sans doute avant que l’Amérique entre en guerre nous dit Patrick Brion. DeMille utilise le torpillage du Lusitania, ce qui lui inspire une assez belle séquence nocturne où l’on voit les passagers sauter dans l’eau, éclairés par de rares projecteurs. Les Allemands sont tous décrits comme des brutes sadiques qui violentent les domestiques et femmes de ménage (« mes hommes ont besoin de se relaxer », répond un officier allemand à Pickford), saccagent stupidement le mobilier et les tableaux, achèvent les blessés. Le ton est hyper patriotique et dès le générique, Pickford est drapée dans un drapeau américain (l’un de ses soupirants lui offre des bonbons avec tous les états et les étoiles). La course des amants qui se sont enfin retrouvés à travers les ruines nous vaut quelques plans admirables qui font oublier une interprétation très inégale (Pickford qui s’entendit mal avec le cinéaste est nettement plus juste que ses partenaires masculins) et les conventions mélodramatiques du scénario.

POOR LITTLE RICH GIRL de Maurice Tourneur est le deuxième et, hélas, dernier film qu’il tournera avec Pickford. Pour une fois, elle ne joue pas une orpheline mais une petite fille que ses parents fort riches délaissent : son père est absorbé par ses combines financières et sa mère par ses soins de beauté et ses occupations mondaines. La gamine est abandonnée à des domestiques, à une gouvernante acariâtre et rigide qui lui interdit de se promener à pied, d’inviter des amis. Le ton du film, écrit par la grande Frances Marion, est vraiment adulte et ambitieux si l’on excepte une médiocre bagarre dans la boue que Tourneur ne voulait pas filmer, la trouvant hors sujet comme l’écrit Christine Leteux. Quand Pickford tombe malade, le ton devient onirique et côtoie le fantastique. On y croise des silhouettes maléfiques (la mort ?), des animaux étranges et l’on passe sans cesse de la réalité au rêve. A découvrir.

CLASSIQUES AMÉRICAINS

OF HUMAN HEARTS (Warner Archive), une vraie découverte, est moins handicapé par les conventions dramaturgiques même si, vers la fin, une ou deux coïncidences permettent de résoudre des problèmes et tirent le film vers la fable. Brown avait acheté quelque années après sa parution en 1917, les droits de BENEFITS FORGOTS, une longue nouvelle de Honore Morrow, incluse dans une de ses biographies de Lincoln (il en écrira au moins deux autres par la suite). Le titre reprend une citation de Shakespeare dans COMME IL VOUS PLAIRA que cite Lincoln face à une fenêtre, dans le film : « Gèle, Gèle, ciel rigoureux / Ta morsure est moins cruelle / est moins cruelle/ Que celle d’une bienfait oublié ». Véritable hymne à l’amour maternel, cette chronique pastorale, tout comme THE YEARLING, se révèle étonnamment complexe, voire sombre. Là où l’on attendait une exaltation des petites communautés provinciales – l’action se déroule dans une bourgade de l’Ohio – refuge des valeurs traditionnelles, on a droit à un portait sans complaisance de villageois égoïstes, avares qui rabiotent le salaire du pasteur, donnent leurs habits les plus usés. Ils sont ragoteurs, étroits d’esprit. Leur pauvreté n’excuse pas une radinerie manifeste sans parler du désir de voler et gruger l’autre, à l’image de cet épicier prêteur sur gages qu’incarne excellemment Guy Kibbee. Remis vertement à sa place par le pasteur (Walter Huston), il n’en continuera pas moins à dépouiller sa femme tout en l’ensevelissant sous les compliments cauteleux. Les rapports familiaux sous des dehors rassurants sont tout aussi conflictuels, empreints de dureté, comme dans THE GOOSE WOMAN, THE YEARLING, INTRUDER IN THE DUST. Le pasteur, droit, courageux, vit pratiquement aux crochets de sa femme qu’il n’écoute guère, fait preuve envers son fils Jason de rigidité, d’intolérance, lui interdisant de lire les livres qu’il n’a pas choisis, jetant les revues données par le médecin du village, parce que c’est un ivrogne qui joue aux cartes. Un plan poignant nous montre le jeune garçon (remarquable Gene Reynolds, si bien choisi) prostré dans une étable, éclairée par une seule lampe. Et quelques années plus tard, Jason (James Stewart dans une interprétation sous-estimée) finira par se battre avec son père pour pouvoir partir étudier la médecine. Mais loin de se transformer en héros idéaliste, son personnage avec ses pulsions égoïstes, sa vanité, anticipe sur les personnages complexes, tourmentés qu’il jouera chez Mann, Hitchcock, Capra.

Excellentes éditions que celle des CHASSES DU COMTE ZAROFF (Lobster) loué par Philippe Roger dans le dernier numéro de Jeune Cinéma. qui fut tourné en même temps que KING KONG. Ce fut particulièrement éprouvant pour Fay Wray qui le jour était poursuivi dans la jungle par un gorille et la nuit par Zaroff et ses terribles séides. C’est l’un des seuls films où un acteur noir, Noble Johnson, joue un Caucasien. Choix admirable que celui de Leslie Banks pour interpréter Zaroff. Bonne occasion de citer KONG le beau livre de Michel Le Bris sur les auteurs de ZAROFF et KING KONG.